Últimamente no estaba viendo muchas pelis, pero acabé pillando una fantástica promoción anual en Filmin que me costó 70 euros. Fue la excusa perfecta para volver al que considero mi servicio de streaming favorito, con un catálogo y filosofía que son un tesoro en los tiempos que corren. Allí pude reencontrarme de nuevo con las docenas de títulos que tenía pendientes… pero cuanto más buceo, más crece esa lista, y en esta ocasión los documentales tienen mucha presencia. Filmin siempre me da una agradable sensación de regresar a un lugar especial donde descubrir cosas, y eso es raro a día de hoy, así que lo pago de mil amores.
1. Frankenstein (2025) – Guillermo del Toro
Adaptación de la famosa novela de Mary Shelley, tomando ciertos elementos extra del libro e intentando diferenciarse de todas las demás pelis. Está bastante bien, sobre todo la segunda parte centrada en las vivencias del monstruo y sus sentimientos. Aun así me pareció un pelín cutre por su CGI, un maquillaje que a veces da el cante, un Oscar Isaac que aparece hasta en la sopa y un diseño general que no termina de convencerme.
2. Encuentros en el fin del mundo (2007) – Werner Herzog
A raíz de la escena del pingüino solitario que se volvió viral en redes sociales, descubrí que pertenecía a este documental de Herzog. Y cómo no, tuve que verlo. El director alemán me parece un gran documentalista, profundo y muy diferente, y este material no defrauda. Herzog nos lleva a una base científica de la Antártida donde a través de su gente, los desolados paisajes y la naturaleza implacable, ahonda en el significado de la vida y la existencia. Me encantó.
3. Mi enemigo íntimo (1999) – Werner Herzog
Siguiente documental que vi de Herzog y que tenía pendiente. En él relata su intensa relación con el actor Klaus Kinski, famoso por su carácter y arrebatos de ira. Aunque detalla ciertas historias que nos adentran en el difícil trato de Kinski, también supone una reivindicación de su talento.
4. La zona muerta (1983) –David Cronenberg
Hace años que leí el libro original de Stephen King, y recuerdo que me encantó. La película de Cronenberg está muchísimo más simplificada y exenta de detalles, lo que le resta profundidad, aunque es bastante entretenida.
Johnny Smith es un joven profesor que sufre un accidente de coche, quedando en coma durante 5 años. Al despertar descubre que, tocando a las personas, tiene visiones sobre diversas muertes. Con este panorama deberá afrontar la nueva vida sin su novia, aceptando sus poderes psíquicos y su posición ética respecto a Greg Stillson, candidato a congresista cuya carrera política se rodea de métodos amenazantes y populistas, aspirando a ser presidente de los EEUU.
Como dije antes, el libro es muchísimo más interesante y está lleno de matices.
5. La zona de interés (2023) – Jonathan Glazer
Una película psicológica sobre los contrastes del Holocausto. En ella veremos la rutina de Rudolf Höss, comandante del campo de concentración de Auschwitz, así como la de su esposa e hijos. Todos viven en la lujosa casa ubicada en el propio campo de exterminio, y parecen ajenos al horror que hay tras sus muros. Entre juegos, apacibles meriendas, celebraciones de cumpleaños y visitas de todo tipo, escucharemos de fondo los omnipresentes ruidos y gritos que provienen del complejo, sin que (casi) nadie les dé importancia. Mientras, Höss actúa como un padre de familia modélico cuando su ajetreado trabajo se lo permite.
6. Contact (1997) – Robert Zemeckis
No debería estar en la lista porque ya la vi más veces, aunque en esta ocasión la puse en VOSE y pude apreciarla más. Basada en la novela homónima del gran Carl Sagan, Contact es una obra sobre la ciencia y la fe, sobre la forma más realista de contacto con vida inteligente y, sobre todo, la esperanza y el impacto del espacio-tiempo.
Ha envejecido muy bien, Jodie Foster está que se sale (me encanta esa mujer) y veremos a un inmaduro Matthew McConaughey, que acabaría convirtiéndose en otro gran actor. De esta peli se sacarían algunos conceptos mostrados más adelante en la fabulosa Interstellar (2014), que casualmente protagoniza McConaughey en uno de sus mejores papeles.
La astrónoma Ellie Arroway ha dedicado toda su vida al programa SETI, influenciada desde niña por la educación de su padre. Un día, en la estación de Nuevo México, descubre una señal que proviene de la estrella Vega, a 26 años luz de distancia. La investigación de la señal revelará datos muy interesantes, y contendrá los planos cifrados para construir una extraña máquina que aloja a un humano. Tras varios cambios económicos, políticos y sociales, finalmente Ellie será escogida para ir dentro de la máquina, experimentando un viaje que no será capaz de probar ni explicar al mundo usando los métodos científicos, aun cuando todo encaja en la teoría del puente Einstein-Rosen.
Me parece una reflexión muy profunda sobre los límites de la ciencia y lo que conocemos, sobre la inversión de un valor tan criticado como la fe… y al mismo tiempo es una defensa de los valores racionales, que chocarían irremediablemente al experimentar cosas fuera de nuestra comprensión. Simplemente preciosa.
Me sorprende el detalle de que un magnate tecnológico sea clave en una aventura como esta, quedando muy actual y fácilmente comparable con figuras contemporáneas como Elon Musk (con su importancia, excentricidades y polémicas). Una peli que es como el buen vino.
7. L’opera-mouffe (1958) – Agnès Varda
Cortometraje en blanco y negro también conocido como Diario de una embarazada en los países hispanohablantes, un título demasiado libre. Aunque la idea central es un embarazo, Varda va mucho más allá: disecciona poéticamente la vida a través de las gentes que transitan una pequeña calle. El contraste entre el deseo de la pareja, lo que está a punto de nacer, la vejez y la rutina está filmado con mucho estilo.
8. Du côté de la côte (1958) – Angès Varda
Este cortometraje documental tampoco debería aparecer en esta lista, porque lo vi hace casi 3 años. Sin embargo, con la versión remasterizada de Filmin (creo que en 2K) se disfruta un montón, y merece la pena. Du côté de la côte es un corto 100% Varda, con una escenografía impecable, unos colores vibrantes, una narración emocional y unas sensaciones que aún hoy dejan huella
Tomando como punto de partida el auge del turismo que recibía la Costa Azul francesa en aquellos años, Varda hace un recorrido por la belleza de sus paisajes, su arquitectura, su historia y, cómo no, las multitudes que llegaban en verano. Siempre que lo veo me encanta, es una de mis obras favoritas de toda la nouvelle vague. Precioso y nostálgico hasta rabiar, con una imagen prácticamente imposible de replicar hoy en día. Los años, lejos de penalizarlo, solo consiguen hacerle justicia.
9. A la memoria del rock (1963) – François Reichenbach
Pequeño documental de 11 minutos donde se muestra la fiebre emergente del rock en la juventud. Está rodado en blanco y negro durante un concierto, con genuinas expresiones del público y detalles bastante locos, hasta que la gendarmería desaloja la pista a porrazos. No escucharemos ni una sola palabra, y el acompañamiento de la imagen se apoya casi siempre en música clásica.
10. Lo que encontraron (2025) – Sam Mendes
Inspirado en Noche y niebla de Alain Resnais (otra auténtica locura, del año 1955), esta obra rescata material original sobre el Holocausto.
Las filmaciones fueron extraídas del Museo Imperial de la Guerra (Reino Unido), hechas en 35 mm por la unidad de fotografía del ejército. Concretamente se muestran las del sargento Mike Lewis y el sargento Bill Laurie, quienes vivieron en primera persona la llegada al campo de concentración de Belsen. Sobre el montaje, como una voz en off, se escuchan unas entrevistas que les hicieron en los años 80 para el museo.
Al igual que el documental de Resnais, cualquier imagen real supera a la ficción. El momento de silencio total, mientras se ve a los presos nazis enterrando miles y miles de cadáveres judíos, es sobrecogedor y terrorífico. Es tan incómodo que solo deseas que acabe. Muy impactante.
El de Resnais (que vi hace años) tiene unos minutos finales que se sienten como un puñetazo de auténtico horror. Al ver esta obra de Mendes los relacioné al instante, constatando la importancia de las filmaciones originales de la época y por qué fueron fundamentales en la desnazificación post-guerra.
11. Riefenstahl (2024) – Andres Veiel
Otro documental pendiente al que llegué tras ese pequeño ciclo sobre el Holocausto. En este se investiga la biografía de la cineasta Leni Riefenstahl, una de las primeras mujeres directoras de la historia, con gran sensibilidad estética y muy influyente en el celuloide. Saltó a la fama por sus películas alineadas con la propaganda del Tercer Reich, algo criticado y controvertido hasta su muerte. Reconozco que los argumentos de Riefenstahl para defender su obra son razonables bajo el punto de vista artístico, incluso puedo creerme bastante su carácter inocente en el contexto de la época, pero tampoco dudo de que miente y esconde cosas. Sus gestos, su actitud, sus palabras y sus relaciones ambiciosas con la cúpula nazi generan demasiadas preguntas que nunca explicó claramente.
Sin embargo, sus obras son impresionantes. La producción y la imagen superan a muchas películas de hoy, y queramos o no son muy buenas técnicamente hablando. Fue la creadora de títulos como El triunfo de la voluntad o de la ya reseñada Olympia. Sirve como aprendizaje de cómo las obras estéticamente cuidadas, emocionales y artísticas no están reñidas con lo moralmente turbio, al contrario: despertar sensaciones de grandiosidad, a veces, es peligroso porque las ensalzan.
Siento cierta fascinación por ella, pues me lleva a un terreno interesante que me enfrenta conmigo mismo. Si la tuviera delante le diría algo como: «tienes un enorme talento y no dudo de tu arte, pero aunque lo niegues sé que eres una pequeña hija de puta… por eso no debo olvidarme de ti».
Este biopic es muy bueno, lo recomiendo al 100% para escudriñar en su polémica figura.
12. El Hollywood de Hitler (2017) – Rüdiger Suchsland
Este documental era la consecuencia lógica tras ver el de Riefenstahl. Aquí se profundiza en el cine alemán del Tercer Reich donde las técnicas igualaban e incluso superaban a las producciones americanas. ¿Cómo eran las películas de aquellos años? ¿De qué trataban? ¿Cómo sirvieron para la propaganda nazi? ¿Cómo conectaban con el público?
El nazismo produjo más de 1000 títulos, donde algunos de ellos destacan por muchos motivos. La puesta en escena, la estética, la música, la teatralidad, la felicidad exagerada, la idea romántica de la muerte, la nostalgia, la patria, el individuo como parte de la masa… Desde aquí se traza un recorrido cronológico, viendo el punto exacto donde las sutilezas se cambiaron por mensajes explíticos (como el antisemitismo o la eutanasia) y llegando a la decadencia del régimen en plena guerra.
Me gustó mucho, sin este tipo de material no puede comprenderse bien por qué la población alemana quedó embelesada por el nazismo, y una vez más nos ponen en ese incómodo terreno donde la estética guía las ideas más siniestras. La mayoría de esas películas a día de hoy son muy difíciles de encontrar, y a menudo están en manos de coleccionistas y cinéfilos.
Un apunte curioso que he aprendido con él: las grandes estrellas de aquel entonces eran, paradójicamente, extranjeras. En parte porque muchos actores y actrices alemanes se exiliaron, en parte por una estética donde los ideales del régimen eran tan obligatorios como fabricados.
13. Rutger Hauer, como lágrimas en la lluvia (2024) – Sanna Fabery de Jonge
Emotivo biopic para profundizar en un actorazo como lo fue Rutger Hauer. Sus facetas más desconocidas, pero las más importantes: sensibilidad, amor por la vida y libertad. En cierto modo todos acabamos concluyendo lo mismo: que su papel como Roy Batty en Blade Runner (1982) le sentaba como anillo al dedo, y que su forma de ser le proporcionó ese halo mítico que todos recordamos.
14. En busca del futuro (2022) – David A. Weiner
Serie documental de 6 capítulos, donde se explora la importancia del cine de ciencia ficción de los 80. Hace un análisis año por año, a través de varios títulos que incluye taquillazos y producciones de serie B. La evolución desde los años 50, los futuros imaginados, las historias, los efectos especiales… y, por supuesto, las reflexiones sobre dónde estábamos, qué estaba ocurriendo y a dónde íbamos. Un canto de amor al género en una década clave para la historia reciente.
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